작가의 말

나의 조각은 급격한 산업화로 인해 무차별적으로 손실된 자연과 동심에 대한 그리움, 메마른 사회 현상들에 대한 비판의식, 인간 근본에 대한 자화상을 다룬다. 어릴 적을 회상해보면 자연은 내 생활의 거의 전부였다. 1960년대 초 당시는 농경사회의 틀을 아직 벗어나지 못한 시기였고 자연은 거의 개발이 되지 않은 상태여서, 나는 온종일 자연과 하나되어 놀았다. 때묻지 않은 맑은 동심의 모습들은, 곧 이어진 공업 우선주의 정책에 따른 난개발로 인해 부서진 자연과 함께 현실 속에 재생할 수 없는 아련한 추억이 되어버렸다. 내 청춘 시절 우리나라는 세계에서 보기 드문 경제성장을 이루었으나, 자기성찰이 결여된 성장은 자연과 인간 사이의 정서적 안정을 일그러뜨렸고, 나의 동심은 당시의 억압된 자연들처럼 상실되어갔다. 상실의 자리에 어느새 들어찬 거대 도시의 경쟁사회, 그리고 그 속의 이중적이고 규격화된 사고들은 인간의 순수함, 선함에 대한 그리움을 불러일으켰고, 이는 나의 조각에서 반어적인 표현들로 나타났다.

1982~86년 이탈리아 토스카나(Toscana)지방의 피에트라산타(Pietrasanta)에서 유학하던 시절, 외국 조각가들을 만나면서 그 전까지 보지 못했던 복합적인 형태 결합과 배치에 의한 새로운 경향의 작품들을 접했고, 이는 내 조각에 신선한 영감을 불어넣었다. 1984년 늦가을 즈음부터는 벌레나 곤충의 형상들이 손에서 빚어 나오기 시작했는데, 이들이 마치 나를 어렸을 적 추억 속으로 인도하는 것 같은 환희를 느꼈다. 초기의 작품에는 무대 연출과 같은 서술적 상황 속에 여러 개체를 등장시키는, 펼쳐진 조각이 여러 점 있다. 여기에는 속도와 시간보다는 여유와 공간을 느끼게 해주었던 유럽적 정서가 우러나는데, 고즈넉한 이태리의 목가적인 풍경은 실제로 내 뇌리에 잔존하는 어릴 적 추억이 묻어나오게 하는 좋은 배경이 되었다. 근래 작품은 설정된 서사나 논리 보다는 순수하게 손과 눈의 감각에 의지하여 둘 이상의 개체들을 유기적인 하나의 형태로 엮는 방식으로 만들어진다. 잠재된 기억과 상상 속을 배회하며 촉각과 시각을 활용해 하나의 이미지를 가시화하다 보면 우연히 이와 유사한 실존하는 생물, 혹은 사물을 만나게 되고 이를 작품 속으로 끌어들이기도 한다. 어떤 때는 그런 것들 중 하나를 독립된 작품으로 마무리 짓기도 하며, 여러 개체들을 교묘하고 독특하게 결합하기도한다. 이 독립되거나 결합된 개체들은 현대 문명의 틀 속에서 살아가는 인간과 자연에 대한, 한편으로는 온화한, 또 한편으로는 비판적인 메시지를 전달하는 대리인으로서의 역할을 수행한다.

청동이나 돌을 재료로 택한 것은 우선 그것이 오랜 세월 동안 변치 않는 성질을 가지고 있기 때문이다. 특히 이탈리아 미술주물공장에서 처음 접한 밀랍주조(lost-wax casting) 방법은 모래나 흙을 사용하는 주조와는 달리 손으로 정밀하게 마음대로 빚을 수 있는 왁스를 사용하기에 처음부터 나는 이 재료와 기법에 매료되었고 이를 통해 나만의 조형적 특이성을 갖출 수 있었다. 밀랍주조는 작품의 밀도와 세밀한 표현의 한계에의 도전을 여실히 보여주며, 주조 후에도 표면에 살아 남는 지문과 소조의 흔적들은, 청동이 차갑고 강인한 재료임에도 인간적인 온기를 전한다. 현재는 전통적 재료의 경직성에서 벗어나고자 키네틱 아트 등의 모빌 조각에도 관심을 갖고 작품의 공간 확장과 운동성의 접목을 시도하고 있다.

무에서 유로, 손 끝에서 탄생하는 형태를 보는 희열, 환타지, 무아(無我)의 경이로움은 나를 창작의 무한한 우주로 인도하고, 나는 다시 그 곳에서 어렵사리 한점 한점의 원석을 건져낸다. 한점의 원석은 세밀하고 정확한 밀도로 닦여져 충만한 생명을 얻게 되고, 이 세상에서 익히 보지 못한 형태들로 발현된다. 나는 그렇게 탄생하는 작품들이 매번 새로움을 갖길 의도하며 이는 스스로 지키려 노력해온 창작의 대명제이다.

Artist Statement

My art is about the following: the ravaging of nature as a result of rapid industrialization, a longing for childhood, a critical commentary on society bereft of humanity, and the basic nature of humankind. When I look back on my childhood, Nature was everything to me. The early nineteen-sixties in South Korea was still an agrarian-centered time period and the indiscriminate development of the country had yet to take place; hence, I could play in and with Nature all day long. As a result of ensuing policy that put priority on industrialization and that led to the destruction of Nature from rampant development, the innocent and unpolluted faces of children, which are now difficult to come across, belong solely to one’s fond memory. During my youth, Korea had achieved an unprecedented economic prosperity but one devoid of any self-reflection, which has destroyed the emotional rapport between Nature and people. Like oppressed Nature, I, too, lost the child in me gradually. What took the place of Nature is the fierce competition in a megalopolis and its resultant false and regimented way of thinking, which has elicited in me a yearning for the innocence and goodness of humankind that is found in my sculptural work by way of ironical expression.

I was introduced to a type of work that was different from what I had been used to, by international sculptors I met while studying in Pietrasanta, Tuscany, Italy from 1982 to 1986. The combination of complex forms and arrangement inspired me to take a new approach in my own work. From the late autumn of 1984, the bugs and insects began to take shape from my hands, and I felt elated, as though they were taking me back to my childhood memories.  My early works display what could be viewed as a stage with a number of pieces set apart like in a narrative setting. Instead of time and speed, I wanted to express leisure and space that was characteristic of a European ethos; as a matter of fact, the quaint and pastoral Italian landscape was the fitting background for the bits and pieces of my childhood memories to emerge. The recent works rely more on the senses of the eye and hand for the exploration of putting two or more pieces into one organic whole. Going back and forth between my dormant memories and imagination, I apply the tactile and visual senses to manifest an image that from time to time resemble coincidentally an already existing life form or objects that I incorporate into my work. Sometimes I would single one out and complete it as a finished work or combine several pieces in a unique or artful way. Hence, these independent or integrated pieces serve as a mouthpiece that delivers a heartwarming or critical message about people and Nature in the context of contemporary culture.

I chose to work primarily with bronze and stone because they have an unchanging quality for a long time. The lost-wax casting technique, which I encountered for the first time at a casting factory in Italy, showed me how using wax could allow one to mold in a most intricate way, in comparison to using sand or earth; I was enthralled by the material and the technique and consequently I was able to fashion my own representational style. The lost-wax casting clearly demonstrates the artist meeting the challenge of the limitations of density and details of expression, while the marks of fingerprints and molding on the surface of it give a warm feel in spite of the cool and hard aspect of bronze. At the moment, to go beyond the use of traditional material I have become interested in kinetic art and mobile sculpture, and am experimenting with the spatial expansion and applying dynamic movement to my work.

Out of emptiness to the tangible, the ecstasy of seeing the shape created from my fingertips, the fantasy and the wondrous state of “non-ego” that leads me to the infinite realm of creativity, and I excavate with great effort, one gemstone after another. This gemstone, which is honed with great detail and precise density, gains a full life and becomes manifested as an object that up to now has never been created. I aim for these works to be original each time—and that has been the grand thesis of my artistic endeavors. 

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